陳雨光美學專著 | 美 的 選 擇 范疇：藝術的定向 第四章：精神象性 （上）
第十屆全國美展優秀作品獲獎畫家 李蒸蒸《重彩工筆設色·陳雨光先生》65×53cm
陳雨光（憨牛），農歷1949年生。選擇美學與中國畫視錯覺學說創始人。先后獲得過十余項科研成果獎（包括國家級課題）。在經濟、數學、計算機、美學、哲學、邏輯等跨學科領域，出版有十數部專著，發表有數百萬字論文。其主要藝術哲學類代表著有《美的選擇》、《視錯覺》、《美的致生范疇》、《藝術的定向》。書畫鑒評本《唐詩三百首書畫集》、《宋詞三百首書畫集》、《元曲三百首書畫集》、《中國當代花鳥畫作品精選》、《中國當代工筆畫作品精選》；策劃組織了《中國畫三百家》。
《美的選擇》集數十年努力，首次在國內從藝術哲學的角度，對中國畫學科體系的確立做出了兩大基礎性探索：第一，定義且回答了“何為中國畫”，揭示了“察覺不到光線作用的繪畫法則”。第二，創立了以視錯覺動向力發生學為內核的選擇美學，從整體論的范疇論，定義了“何為美”。
著作者是至今唯一耗時八年、約集了三百多書畫名家，編寫出版了填補空白的書畫鑒賞版《唐詩、宋詞、元曲三百首書畫集》的詩評鑒賞家。
基于當代藝術家的深度交誼和研究，著作者在珍藏的《元曲三百首書畫集》中，共獲得百多位專業畫家的大力支持，并收到了310幅精心創意的繪畫原作?，F今，許多書畫大家己故世。隨日時移，這部著作中的創作真跡和筆墨文范，己成為理解藝術的無法再獲的瑰寶，尤其數次展覽所引起的轟動，更證明，作為國粹的“詩詞曲/書畫文”的超越時空的神圣的崇高。
美的選擇 · 范疇：定向·性知覺
（陳雨光美學專著）
目錄
第一章：眼睛中的思想
第二章：知覺動向力
第三章：性知覺
第四章：精神象性
第五章：整體的特殊
中國百家金陵畫展·金獎畫家 李金生《生命之?！?6×95cm(憨牛居藏珍）
引言一一取向科學：中國畫一次有意義的實驗
思考藝術的定向，讓我瞄準了《生命之?！?。
《生命之?！?，是我多次引用的極為重要的畫作，意義不是獲獎，而是償試讓中國畫邁入現代，做一次貝有科學價值的實驗——取向平面。
我邀請了著名藝術家李金生，他1998年獲文化部第八屆群星獎美術大展優秀獎，2009年在中國百家金陵畫展中獲金獎，2009年入選第十一屆全國美術作品展。他讓我無法忘記的作品是《大漠之光》。
金生非常認真。實驗以一張三人裸女入海照為背景，不設計素描稿，直接使用當時世界流行的人體實模，且不做任何理想化比例修正，自然切入。我設計了三層基圖，最后因時間和難度，完成了兩層多，用時三個多月，基本達到超預想程度。十幾年過后，這幅作品仍縣前瞻性。
實驗出發點：
世界美術有一個取向科學的過程，面對的是三大思考: 色相分離、層級遞進、平面拼貼。
陳雨光《非光影空間中的圓形、方形與三角形》
——色相分離
視覺物象是光照呈現出的質地面貌一一色彩組織。物象知覺的視感，是光譜有序排列的結果。有序排列的本質是不同波長光譜彼此分離。因此，西方長達600年以上的色彩革命，其實只干了一件事：認知色相環。
色相分離，對于中國畫，傳統的方式是"邊線十平涂”。但現代的理解，是整形系色相的組合。取向科學的第一大思考，是整體作為結構組合的理念——色彩組織本身就貝有空間感。對于中國畫這具備比較借鑒意義。分離的關鍵，是不做傳統線性切割一一即輪廓邊際線。邊際線是圖底色相分離后的中間過渡色相的形條。
陳雨光《柔》(色相分離與凹凸暈染》
——層級遞進
平面造像的基本原理，是圖與底的空間分裂，所以，文藝復興的一切努力，都是理解深度上的層次。最簡單的造像，基本展次也不會少于兩層。表層的圖，會成為次層的底。特別是對公共關系的處理，更有諸多科學的想象。構圖最有價值的所在，便是創意空間。取向科學不同于以往的眼光，是使用凹凸對比造意空間，從而一個沒有深度的結構，讓藝術告別了過去。
金生面對的空間，尤如《搗練圖》。之前，我發表過一篇十分重要的論文《重迭透視一一中國畫的基本格局》，我是國內第一個研究重迭性范疇的求索者。這方面的研究孤獨，十分嚴重。因為，除我之外，沒見到再者的文獻。但重迭性對于遞階層級而言，具有基礎的意義。尤其中國畫的空間結構，更離不開重迭與平移。
陳雨光《女人與幾何》
——平面拼貼我發現的基本原理：重迭的必然是拼貼。
取向科學的第三大思考，是用拼貼抵消平面中的深度。他發現凹凸結構設計可使用的一種技巧，這種技巧的特征在于從整體上審視它是全新的，但組成它的每個部分卻是原有的。到了古里姆特時代，后現代主義已對進步與發展，有了不同于以往的眼光。對過時狀態的改變，也許自欺欺人，但對“原有”巧妙地運用——排列組合，或者會收到新的效果。
藝術家李金生，用平面是背景重迭的原理，構設了畫圖。正是緣此，本有深度的照片，成為平面拼貼。十幾年過去，《生命之?！穼嶒炓饬x還應當反復深入。啟碼，至今，尚無這種能從科學角度清醒深度解析中國畫取向現代的學術與前沿。
裸體、青春、浩海、生命，金生表現的，是存在的活力，是與大海廣宇的交流。
陳雨光《拒絕看到光線的拼貼》
動向力的知覺結構是藝術心象的情境場
——陳雨光
1850——相機-結構-野獸-立體
《美的選擇》指出世界美術史的重要劃代一一1850年。
我多年堅持一個觀點，至今，國人的藝術欣賞能力，仍滯留在1850年以前。
2018年，我在奧塞美術館，禮拜古典主義的最后圣作一一《泉》。這幅耗用40年時間，把一切美感想象簡化為一身的春之仙女，于1856年，經安格爾一生的努力，為美的范疇劃出了新的句號——清高絕俗和莊嚴肅穆。至此，一個時代永遠地結束了。
讓安格爾萬萬無法想象的，是被奉為圣典的取向深度的自然視覺法則，隨著《泉》的問世，不再成為標志另一高峰的文注。世界美術史，在1850年，又邁出了不同于以住的一步。
這一步，我十分慨嘆。我成了更堅定的“學術專業”的孤獨客。
對于這樣一個美朮史的大變遷，國內可查專業文獻，除我之外，沒有一著，如此認真系統地從學術專業角度剖析這一深刻斷代的至因。為何1850年前的院體主流藝術，在之后，沒有了影響，取而代之的——現代主義，又怎樣從非院體角度，扛起了世界美術史新的登頂大旗。
安格爾《泉》
為什么孤獨，就因為若同導師一一阿恩海姆的親身感受：目今，空頭理論甚囂塵上，一些毫無專業素養的“美盲大師”，使用離美木專業十萬八千里的連他自己也不明白的詞語，糊弄只想使用耳朵、卻無能力使用眼睛的泛眾，以至，糊弄成為理論，忽悠成為學術，人云成為思想，眼睛成為廢物。
所以，1850，到底意味什么？沒人關心。人們茶余飯后，津津樂道的是《玩紙牌者》憑什么又賣出了14億，人民幣！
塞尚的價值在哪?
還記得本書《眼睛中的思想》，提及的偉大的丟勒嗎。他是用相機投影的邏輯，詮釋繪畫的幾何數理，應該說，人類為了在平面中實現三度錯覺，努力了幾千年，即1850年前，藝術是光線照射法則，地平線-高光-陰影，是一切專業的學術。莫奈的偉大，是把投射光的定向，目標為反射光。
因此，1850之前，無論藝術法則怎樣變，都離不開光，離不開深度。
1850年之后呢?
陳雨光《啊!昭君湖》攝于20210615新疆賽里木昭君湖
《釵頭鳳-昭君賽里木》
西洋淚，雪山矜，天落藍寶臥舒吟。白云唱，藍天馨，一湖靜謐，幾見浪芯。泌！泌！泌！
1851年7月10日，發明巨匠達蓋爾，在巴黎過早地離開了人世，享年64歲。達蓋爾對于人類進步的最主要的貢獻，在于發明了達蓋爾式照相法，一種最早的實用攝影方法，以及后來據此原理而研制成功的世界上第一臺照相機。
相機的問世，讓排徊在十字路口的世界美術，選擇了新的定向。
藝術開始了非光線法則、取向非深度的平面化、拼貼化。
精致描述光線的相機，讓千百年來幻真錯覺的光線繪畫法則退出舞臺，這，本身就是一個歷史的喜劇，也是用光來嘲諷的選擇。不知偉大的丟勒與布魯內萊斯基，有何感想。更不知那些所謂的“美盲大師”，能明了這段歷史劃斷的專業學術致變嗎？啟碼今天，尚未看到他們有專業見識的文字，他們仍在從事可恥的糊弄與忽悠。
1839年1月19日，在一個由帽廠主成為銀行家的商業世家中，誕生了一個叫塞尚的嬰兒。他的誕生，是世界美術史，自相機問世后，最重大的事件。因為：
塞尚是現代藝術之父。
塞尚
把造像理解為用色彩空間構成世界的婪幻，這是告別“印象”的最重大選擇。
造像不再是寫狀真實的錯覺，也不滿足眼睛中的印象，后印象主義，開始把藝術的定向，目標為生命的內在結構和意義。
1850年，后結構主義的色彩空間，用塞尚的名義，打開了藝術前無古人的想象。
造像，再一次沒有了光線，沒有了地平線，沒有了深度，沒有了透視的穩定感。好象回到了部落時代。
1905年的巴黎秋季沙龍，在一群野獸中間立著一位真正的藝術家，時為35歲的——馬蒂斯。他說：“如果塞尚是對的，我就是對的?！崩蠋熌_對繪畫色彩的主觀性論述，給馬蒂斯很大影響：“美的色調不可能從照抄自然中得到，繪畫中的色彩必須依靠思索、想象和夢幻才能獲得”。這些叛逆，在主流眼中，卻是迷茫。35歲馬蒂斯的沙龍境況，不用問，肯定遇到了眾人的一片白眼。在罵聲囂囂中，只有一個人的慧眼，讓他從錢包里掏出鈔票，取走了兩幅作品。當然，這位興運者，要很久以后，才會體驗，這是一個奇跡的開始。
思索、想象和夢幻。
馬蒂斯認為：繪畫，就是在一塊平面上，有韻律地安排線條和色彩。平面，讓藝術世界有了新的史詩——《生命的愉悅》。這是我多次引用的畫作，讀懂十分難，因為，它本身是一部美術史。
畫中扭曲的形體與蜿蜒起伏的曲線，顯示出與新藝術運動的某種聯系；在畫面的最左邊，那個被常春藤所纏繞的、水蛇形的女人體，看起來不象一個人而更象是一座新藝術風格的臺燈；而右邊前景的一對擁抱、熱吻的情人，則似乎是共有著一個頭部。畫中的色彩也得到廠自由而簡化的運用。畫家將自然物象雜蕪的色彩進行高純度提煉，并將平涂的色塊根據某種內在的需要進行組合、對比，使之產生音樂般的節奏。畫中純凈而明亮的色彩，表現出畫家的精神世界與自然的內在和諧?！渡挠鋹偂非逦伢w現出馬蒂斯的“野獸”特性。遠景是深藍色大海，海灘和草地上點綴著擺出各種姿勢的人體。馬蒂斯舍棄了對形體的繁瑣刻畫，放棄了明暗和體積的塑造，所有形體都以平涂的色面和流暢的曲線來表現。因為在他看來，繪畫就應該是在平面上有韻律地安排線條和色彩。最重要的意義，是史詩性。這幅畫深至的，是從安格爾到提香，從文藝復興到新古典主義，從過去到今天，再到被“打翻了油漆的野獸”。
因為這幅畫，我記住了一句名言:
我畫的裸體最可愛。
馬蒂斯《生命的愉悅》
1906年，畢加索在《生命的愉悅》前沉默了。
他是能看懂馬蒂斯的極少數的人。這個從不安分的怪物，一年多沒有話語。他沉默了：不可思議，野獸竟否定了保羅·希涅克的點彩？當時，只有極少數的人，才知道馬蒂斯看到了什么。應當徹底告別“玫瑰”，安安分分地重新思考問題。他認真省視1850，從野獸的發源地處尋找新大陸。他說：“塞尚就好像是我們畫家們的父親?！眱鹤?，終于從父親眼中看到了一個選擇：必須徹底否定文藝復興以來三度空間為主要目的的繪畫法則，讓藝術有——
幾何、平面、立體。
1907年，一幅叫《亞威農的少女》的時代開始了，立體——斷然拋棄了對人體的真實描寫，把整個人體利用各種幾何化了的平面裝配而成，這一點在當時來說，是人類對神的一種褻瀆行為。同時它廢除遠近法式的空間表現，舍棄畫面的深奧感，而把量感或立體要素全體轉化為平面性。這幅畫，既受到塞尚的影響，又明顯的反映了黑人雕刻藝術的成就。強化變形，其目的也是增加吸引力。畢加索說：“我把鼻子畫歪了，歸根到底，我是想迫使人們去注意鼻子?！?/span>
畢加索《亞威農的少女》
面對歷史，塞尚.馬蒂斯、畢加索，用自己的故事，講述了藝術的選擇.在《泉》之后，他們三幅劃時代的人體，確實不同以往。共性，是不再為自然造像，而是寫意心像。
結構、色彩、立體，表現的是人體之上的靈魂一一作為人體的精神象性。
從此，藝術的定向，有了新的眼睛。
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